Programme Automne 2025 – Fall Program

Le troisième long métrage de Stanley Kubrick, The Killing, est un film noir magistral qui raconte l’histoire d’un audacieux braquage sur un hippodrome. Tout juste sorti de prison, Johnny Clay organise son dernier gros coup avant de s’installer avec sa future épouse Fay. Ce braquage ambitieux implique une équipe de cinq hommes engagés pour voler 2 millions de dollars le jour de la course, mais le plan commence à s’effondrer lorsqu’une liaison amoureuse trahit la loyauté des hommes impliqués.

Précurseur de « Reservoir Dogs » de Tarantino, le récit non linéaire de Kubrick culmine dans un climax palpitant qui a servi de modèle aux films de braquage modernes. La maîtrise du genre par le réalisateur est couronnée par un casting de habitués du film noir, dont Sterling Hayden, Elisha Cook, Vince Edwards et Marie Windsor. C’est une occasion rare de voir l’une des premières œuvres de Kubrick, qui fait déjà preuve d’un style mature et imposant. Sur la glorieuse pellicule 35 mm !

Conférencier invité : Chris Andrich est diplômé du Nova Scotia College of Art and Design et a réalisé des courts métrages à l’Atlantic Film Co-op. Il a été animateur à la radio communautaire CJSR à Edmonton, en Alberta, pendant 7 ans et a été membre du conseil d’administration du Metro Cinema à Edmonton. Chris parlera de Kubrick, de son adolescence en tant que photographe à son influence sur Reservoir Dogs de Tarantino.

Dans une campagne isolée et aride, un entomologiste devient le prisonnier d’une étrange veuve vivant au pied d’une immense et inéluctable sablière. À l’instar de nombreux films précurseurs de la Nouvelle Vague japonaise, SUNA NO ONNA mêle érotisme et réflexion philosophique. Le réalisateur Teshigahara nous plonge dans un univers sensuel fait de chaleur, de sable, de sueur et de sexe, où la lutte absurde et cauchemardesque contre le sable omniprésent devient une métaphore puissante de la condition humaine.

Rendu dans un langage visuel moderne et envahissant, en phase avec les transformations sociales de l’après-guerre au Japon, le film interroge la liberté, le libre arbitre, la conscience et l’individualité. Tout aussi véhémente et troublante est la bataille des sexes, alimentée par des modes de vie et des sentiments contrastés et irrémédiablement opposés.

Ancien peintre, potier et maître de l’art floral (ikebana), Teshigahara était un scénariste et un compositeur d’images méticuleux. Sa mise en scène est portée par la musique minimaliste de Toru Takemitsu (RAN de Kurosawa), tandis que les acteurs Eiji Okida (HIROSHIMA MON AMOUR de Renais) et Kyôko Kishida (qui a travaillé avec des grands noms tels que Ozu et Ichikawa) livrent des performances profondément passionnées. Ce film quasi parfait est sans aucun doute l’un des grands chefs-d’œuvre du cinéma japonais.

Conférencière invitée : Anne Kmetyko est une cinéaste dont le travail explore les thèmes de l’identité, de la mémoire et de la condition humaine. Son plus récent court métrage autoproduit, Si seulement… peut-être (If…Then…Now…), a à ce jour été sélectionné par 15 festivals internationaux, dont le San Francisco Short Film Festival et le 56è WorldFest Houston, où il a remporté un Remi de bronze.

Talent émergent, Anne a été sélectionnée pour le Talent Lab du Festival international du film de Reykjavik, en Islande (2023), ainsi que pour des programmes de développement reconnus tels que les Nantucket Screenwriters Sessions (2025), Stowe Story Labs (2024) et le Stowe Features Campus (2024–25). Elle fait également partie de la cohorte 2024 du Pitch des scénaristes cinéma de l’Académie canadienne du cinéma et de la télévision, et continue d’affiner sa voix narrative et son approche visuelle.

Anne développe actuellement son premier long métrage, Entre Deux (The Space Between), ainsi que la série web Murray Hill.

Lorsque Juliet, une femme au foyer d’âge mûr, se rend compte que son mari la trompe, elle se sent attirée par un nouveau voisin plein de vie et décadent. Rapidement, les angoisses de Juliet se manifestent dans des rêves éveillés qui lui montrent des visions déformées de son passé, brouillant la frontière entre fantasme et réalité.

Présenté dans une copie Technicolor vintage, les couleurs restent aussi vives qu’au jour de sa création grâce à un procédé photochimique qui ne peut être reproduit numériquement. Premier long métrage en couleur de Fellini et suite de 8 ½, ce film offre une expérience cinématographique unique.

Pour ce film, Fellini s’est associé à sa femme et collaboratrice régulière Giulietta Masina afin de créer cette plongée surréaliste dans le subconscient d’une femme en crise. Des souvenirs remplis d’images religieuses et de fantômes du passé envahissent l’écran, tout en posant la question suivante : qu’est-ce que la liberté ? Dans ce spectacle visuel inoubliable, Fellini explore ses préoccupations de toujours sur la vie domestique, le sexe, la réalité et la mort à travers le prisme de son propre mariage. Faisant écho à Bergman, c’est l’une des œuvres les plus introspectives du réalisateur.

Gianni di Venanzo capture magnifiquement la conception baroque de Piero Gherardi, construisant un monde aux possibilités infinies, tandis que Nino Rota livre une bande originale aussi insaisissable et envoûtante que le film lui-même. S’il existe un autre temps et un autre lieu, ce film vous y emmènera.

Conférencier : Arto Paragamian est connu comme scénariste et réalisateur doté d’une vision et d’un style uniques. Sa capacité à équilibrer humour décalé et misère crue est la force de son travail. Son œil pour les sujets originaux et les rebondissements inattendus donne naissance à des films captivants, rafraîchissants et surprenants pour le public. Son objectif est toujours de réaliser des films intelligents et divertissants.

La filmographie d’Arto comprend Cosmos, un projet réalisé avec cinq autres cinéastes qui a remporté le prix de la Quinzaine à Cannes et a été nominé pour le prix du meilleur film aux Genies. Two Thousand and None, avec John Turturro, a reçu une mention spéciale de la FIPRESCI à Taormina, ainsi que de nombreux autres prix. Nous projetterons l’un de ses premiers courts métrages intitulé Fish Story.

Ce chef-d’œuvre envoûtant et atmosphérique du cinéma d’horreur surréaliste européen ne ressemble à aucun autre film de vampires que vous n’ayez jamais vu. Frissons garantis ! Il sera précédé d’une projection du film LE MONDE PERDU (1925) à l’occasion de son 100e anniversaire, avec des effets spéciaux novateurs par le créateur de la première version de KING KONG (1933).

Notre ensemble talentueux comprend des artistes sur place: Shayne Gryn à l’orgue Casavant, Elissa Nahkleh au piano, Zein Nahkleh au violon et Parker Bert aux percussions incluant l’orgue Casavant, tandis que les films muets sont projetés sous forme de bobines d’époque. Le tout aura lieu dans une majestueuse église gothique, ce qui ajoutera au cachet de cette soirée inoubliable. Veuillez noter que nos projections antérieures ont été extrêmement populaires, alors mieux vaut arriver tôt! (Les portes ouvriront à 17h30.)

Grignotines, mais éclaté et boissons disponibles.

Billets : 29$, 24$ (étudiants & 65+), 15$ (12 ans et moins) taxes incl. Disponible en ligne et au guichet en quantités limités à partir de 17h30 h le 18 octobre.

Église Anglicane St-Georges 1001 ave. des Canadiens-de-Montréal (métro Bonaventure et Lucien l’Allier)

Les DEUX films sont projetés à chaque séance.

Dans ce classique culte du genre slasher, sept étudiantes d’une sororité sont traquées par un mystérieux tueur après qu’une farce faite à leur mère supérieure ait accidentellement tourné au drame. Le côté sombre de la vie universitaire est mis en évidence dans ce conte moral où la propriété cède la place à la violence. Et dans une variante du genre horreur, les femmes deviennent des actrices et des bourreaux plutôt que de simples victimes expiatoires.

Partiellement inspiré par « Les Diaboliques » d’Henri-Georges Clouzot, le scénariste et réalisateur Mark Rosman a entrepris de réaliser un film véritablement indépendant qui incarne les films d’horreur des années 1980. La répression sexuelle, l’autonomie corporelle et les défaillances institutionnelles occupent une place prépondérante, mais le jeune casting féminin et le cadre de la sororité confèrent au film une dimension tragique plus profonde… La tragédie de gâcher une vie alors qu’elle est sur le point de commencer. Précédé par des bandes-annonces d’horreur de l’époque, le tout projeté en 35 mm d’une netteté exceptionnelle ! (de la collection Mitch Davis)

À l’apogée de l’expansion vers l’Ouest américain, un éleveur texan et son fils adoptif mènent leur troupeau de 9 000 têtes de bétail dans un périple de mille kilomètres vers le Missouri. Le chemin qui longe une frontière encore sauvage est incertain, et l’expédition vacille au bord du gouffre alors que les codes moraux des deux hommes opposent le père au fils.

Mettant en vedette une performance remarquable de Montgomery Clift, qui tient tête à un John Wayne tyrannique, le film interroge les mythes de la masculinité qui ont construit l’Ouest américain. Sous la direction inébranlable de Howard Hawks, l’action et le drame à grande échelle de Red River transcendent le genre et plaisent même à ceux qui ne sont pas fans de westerns. Le brillant compositeur Dimitri Tiomkin accompagne la cinématographie époustouflante de Russell Harlan, six fois nominé aux Oscars, consolidant ainsi un classique du cinéma western à l’apogée de l’âge d’or d’Hollywood. Venez découvrir ce voyage épique sur un écran suffisamment grand pour capturer l’immensité du Far West.

Conférencière invitée : à déterminer.

Quatre hommes doivent parcourir plus de 300 miles de terrain rugueux à bord de deux camions transportant des explosifs hautement volatils. C’est le seul moyen d’éteindre l’incendie qui ravage les champs pétrolifères, mais cette mission est jugée trop dangereuse pour les employés de la compagnie. C’est donc à une équipe hétéroclite, au bout du rouleau, qu’il revient de livrer la cargaison. Leur survie dépend d’une puissance supérieure et de l’homme assis à leurs côtés.

Réinterprété plus tard par William Friedkin sous le titre « Sorcerer », « Le Salaire de la peur » reste l’un des plus grands thrillers de tous les temps. Le scénario intelligent et captivant, coécrit par le réalisateur Henri-Georges Clouzot, aborde les thèmes de l’empiètement des puissances impérialistes sur les terres et les peuples, tout en restant centré sur les luttes à mort des personnages. Avec une performance exceptionnelle du jeune Yves Montand dans le rôle principal, cette histoire de survie vous tiendra en haleine.

Conférencière invitée : à déterminer.

Pour cet événement, nous vous ramenons à une époque où aller au cinéma signifiait être sûr de voir un reportage, un dessin animé, des bandes-annonces et un épisode d’une série. Vous verrez tout cela avant le film principal !

Nous sommes en 1944, le monde est en guerre et les nazis construisent une bombe. Le physicien nucléaire Alvah Jasper est envoyé en Suisse pour rencontrer Katerin Lodor, scientifique renommé et transfuge nazi, mais il se retrouve rapidement plongé dans une guerre secrète où personne n’est digne de confiance et où personne n’est en sécurité. La recherche d’informations conduit Jasper en Italie, déchirée par la guerre, où il rencontre Gina, une courageuse résistante. Ils doivent faire tout ce qui est nécessaire pour obtenir les informations et s’en sortir vivants.

Le légendaire réalisateur Fritz Lang livre une véritable leçon de maître dans le genre en mêlant guerre, espionnage et romance dans un film qui s’inscrit indéniablement dans le courant du film noir. Gary Cooper, dans le rôle principal, offre une performance qui fait de lui le prototype de James Bond, imité plus tard par Cary Grant et Sean Connery. Le public est transporté à travers une intrigue sinueuse par la musique parfaite de Max Steiner, et la photographie de Sol Polito, nominé aux Oscars, inscrit fermement le film dans la tradition du film noir. Sorti un an seulement après la fin de la Seconde Guerre mondiale, le film rendait hommage aux membres encore en vie des services de renseignement dont les efforts courageux ont contribué à gagner la guerre. Pour Lang et son équipe, il ne s’agissait pas d’un film d’époque, mais d’un film sur leur époque qui reste d’actualité aujourd’hui.