Programme Hiver – Printemps 2025 – Winter – Spring Program 2025

TAXI DRIVER est une analyse de personnage d’une plausibilité alarmante sur Travis Bickle, un vétéran du Vietnam, un insomniaque aliéné qui passe ses nuits à conduire un taxi à New York. Une grande partie de ce que nous voyons de la ville est vue à travers son pare-brise. Après de longues heures de travail, il n’arrive toujours pas à dormir et passe des heures dans les cinémas X X X ou seul dans sa chambre sordide. Il n’a que mépris pour la « racaille » qu’il voit autour de lui et prophétise qu’un jour une grande pluie viendra nettoyer toutes les saletés des rues. Un jour, Travis rencontre Iris, une fugueuse de 12 ans devenue prostituée et contrôlée par un proxénète aux cheveux longs connu sous le nom de Sport. Travis devient obsédé par l’idée de « sauver » Iris de sa situation, se transformant en une machine à tuer à lui seul et se préparant à une croisade sanglante qui, selon lui, remettra le monde à l’endroit.

Ce film époustouflant a annoncé au monde entier l’arrivée du réalisateur Martin Scorsese, du scénariste Paul Schrader et des stars Robert DeNiro et Jodie Foster, cette dernière sous un nouveau jour. Le réalisateur dépeint la ville de New York avec des images dures et inoubliables – égouts fumants, rues balayées par la pluie, néons éblouissants – qui, ensemble, constituent une vision de l’enfer sur terre. La partition viscérale de Bernard Hermann et la photographie granuleuse de Michael Chapman y contribuent grandement. Mise en nomination pour de nombreux Oscars, le film a remporté la Palme d’Or à Cannes. Il est proposé ici dans une copie 16 mm granuleuse qui a été projetée par des professeurs de cinéma de l’université de New York, dont Martin Scorsese lui-même. Précédé d’échantillons de films érotique 16 mm des années 1970, typiquement projetés dans les cabines de ‘peepshow’ de la 42e rue à NY. Strictement 18+.

Le criminel de carrière Neil McCauley (Robert De Niro) planifie une succession de cambriolages à travers Los Angeles avec son équipe : Chris Shiherlis (Val Kilmer), Michael Cheritto (Tom Sizemore) et Trejo (Danny Trejo). Après qu’un complice (Kevin Gage) ait abattu un garde lors d’un raid sur un véhicule blindé, l’équipe de McCauley est poursuivie par l’équipe des vols et des homicides de la police de Los Angeles, dirigée par l’implacable lieutenant Vincent Hanna (Al Pacino).

Heat, le drame policier de 1995 de Michael Mann, est une histoire épique et percutante de chat et de souris, racontée avec élégance et style et portée par deux des meilleurs acteurs américains. Il s’agit avant tout d’une histoire captivante, mais aussi d’une interrogation assez sombre sur la masculinité brisée et l’autodestruction des bourreaux de travail. Visuellement remarquable, sa partition musicale discrète fait monter la tension d’une scène à l’autre, tandis que l’ensemble de la distribution livre de superbes performances.

Le film unit ses deux protagonistes – McCauley et Hanna – en mettant en évidence leurs similitudes. Ce sont tous deux des hommes obsessionnels et motivés. L’un se consacre à la réalisation de casses et de braquages propres et efficaces. L’autre est un croisé implacable qui met de côté tous les autres aspects de sa vie pour traquer et démanteler des criminels de carrière. En même temps, le film met en évidence leurs différences. McCauley est calme et méthodique. Il garde ses émotions à l’écart, afin de s’assurer qu’elles ne le mettent pas en danger d’arrestation ou de mort. Hanna est tout le contraire : il est spontané et imprévisible, et affiche fièrement ses émotions. Le film les présente parfaitement comme des adversaires, puis tente le public avec la possibilité qu’ils se rencontrent face à face. Il s’agit d’une œuvre d’une remarquable sobriété, qui n’en est que plus satisfaisante.

Si Pacino et De Niro sont exceptionnels, ils sont entourés d’une distribution uniformément forte, comprenant notamment Val Kilmer, Amy Brenneman, Tom Sizemore, Ashley Judd, Diana Venora, Natalie Portman et Jon Voight. La photographie de Dante Spinotti donne à l’ensemble du film un éclat bleu séduisant. La partition musicale d’Elliot Goldenthal fait preuve d’une incroyable retenue : dans certaines scènes d’action clés, elle est plus un paysage sonore qu’une partition, renforçant l’intensité sans jamais distraire de ce qui se passe à l’écran. Les séquences d’action du film sont dirigées et filmées avec précision. Il y a des éclats et des lueurs de la vie réelle tout au long du film. Ils rehaussent un film déjà solide et lui confèrent une richesse rarement égalée dans les films policiers américains. Voyez-le en projection 35 mm et en Dolby Stereo Surround pour un effet complet !

Coupes rapides, moments d’attente, murs en ombres chinoises, miroirs savants, et presque toutes les fenêtres utilisées comme source de lumière. Il est difficile de ne pas tomber amoureux de Lola, tout comme le Roland de Marc Michel. Le premier long métrage de Demy suit deux amoureux séparés, Lola et Roland, qui se retrouvent après s’être croisés par hasard le long d’un centre d’achats extérieur qui, comme presque toutes les autres scènes du film, constitue une vision absolument magnifique.

Le personnage éponyme d’Anouk Aimée, Lola, est, comme dans l’œuvre elle-mêmedans, gracieux, magnifique et sans effort. Des aspects qui sont également partagés dans la chorégraphie de la caméra. La profondeur de champ présente dans presque chaque plan du directeur de la photographie Raoul Coutard ajoute des détails à la vie de la ville et aux intérieurs. Ceci, associé au mélange unique de Demy de romantisme visuel et narratif imprégné de circonstances difficiles, est quelque chose que l’on peut pratiquement goûter.

LOLA parcourt la ville et l’intériorité des personnages sans relâche, sans jamais se laisser distraire ou interrompre pour communiquer verbalement quelque chose d’inutile au spectateur. Demy a très tôt compris que montrer plutôt que raconter servirait ses histoires. Bien qu’il s’agisse d’un premier film, on peut y voir les premiers travaux d’un maître, jouant avec l’image, la narration, les personnages et, surtout, les attentes du spectateur. Premier pas dans une carrière, LOLA atteint des sommets que de nombreux réalisateurs n’atteignent pas au cours de leur carrière. Il s’agit ici d’une copie Cinémascope en format 16 mm poétiquement organique.

Conférencier : À venir

Calcutta, fin du 19e siècle. Charulata est une femme éduquée, cultivée et intelligente. Sa relation avec son mari est distante et sans passion. Lorsqu’un cousin de celui-ci vient vivre chez le couple, elle trouve en lui un confident et un complice. Mais leur amour est compliqué par les remords et les convenances.

Douzième film de Ray, CHARULATA était le préféré de son auteur : « Le seul film auquel je ne changerais rien si je devais le refaire est CHARULATA ». C’est sans doute le film le plus sophistiqué, lyrique et élégant de Ray, une histoire d’amour et de solitude bouleversante, portée par la sublime actrice Madhabi Mukherjee qui a tourné deux autres films avec Ray, The Big City (1963) et The Coward (1965).

Le film est tiré du roman The Broken Nest (1901) du prix Nobel de littérature Rabindranath Tagore (1861–1941), une inspiration importante pour Ray qui l’a aussi adapté pour Three Daughters (1961) et lui a dédié un documentaire éponyme, Rabindranath Tagore (1961). Le traitement des sentiments, tout en retenue, rappelle In the Mood for Love (2000) de Wong Kar Wai ou The Remains of the Day (1993) et les autres films de Merchant-Ivory. Charulata est aussi une fresque socio-historique qui dépeint une période cruciale de l’histoire indienne, la Renaissance bengale, période d’ébullition créative et artistique. Le mari de Charulata, intellectuel et éditeur d’un journal politique, incarne les aspirations de l’époque, notamment la contestation de la colonisation britannique. Charulata aspire elle aussi à une émancipation rendue difficile par sa condition de femme, et trouve son expression dans la poésie et la musique.

En plus du scénario, du casting, de la musique et, bien sûr, de la réalisation, Ray assure ici pour la première fois la prise de vue, d’être derrière la caméra facilitant selon lui son travail avec les acteurs. Tout en nuance et en sensibilité, il signe sans doute un des plus beaux portraits de femme de l’histoire du cinéma.

Vu que personne ne présente le cinéma comme le CFS, attendez-vous à assister à de la danse classique indienne en direct sur scène! (Artiste: À annoncer)

L’histoire, si l’on peut dire sans rire, est celle de Mme Teasdale (Margaret Dumont), une millionnaire douairière qui fera don de 20 millions de dollars au pays misérable de Freedonia si celui-ci accepte de faire de Rufus T. Firefly (Groucho Marx) son leader. Firely courtise Mme Teasdale et passe son temps libre à insulter Trentino (Louis Calhern), l’ambassadeur du pays voisin, la Sylvanie. Trentino engage une femme sexy pour séduire Firefly afin que Trentino puisse se rapprocher de Mme Teasdale, l’épouser et prendre le contrôle de Freedonia. Pour l’aider dans son jeu, il engage Chicolini (Chico Marx), un vendeur de cacahuètes, et Brownie (Harpo Marx) comme espions. La guerre finit par éclater et, après de nombreuses trahisons maniaques, la Freedonia sort victorieuse.

Rapide, irrévérencieux et anarchique, ce chef-d’œuvre de la comédie est considéré par beaucoup comme la plus grande réussite des frères Marx. Avec ses nombreuses répliques célèbres et ses gags souvent copiés, DUCK SOUP est peut-être la meilleure et la plus drôle représentation des absurdités de la guerre jamais réalisée sur pellicule. Pour un effet de rire à gorge déployée, il est préférable de le visionner dans une salle de cinéma avec public.

Un architecte est appelé à Pilgrim’s Farm, une maison de campagne qu’il a été chargé de rénover. S’approchant en voiture de l’austère bâtisse victorienne, il constate que la maison a quelque chose d’étrangement familier. Une fois à l’intérieur, il reconnaît toutes les personnes présentes et leur dit qu’elles ont toutes fait partie d’un cauchemar récurrent qu’il a fait, après quoi les invités racontent leurs propres cauchemars, l’un après l’autre.

Impliquant quatre des meilleurs réalisateurs britanniques de l’époque, ce film est peut-être la meilleure anthologie d’horreur jamais réalisée et parvient encore à effrayer les gens 80 ans plus tard. Parmi les quatre réalisateurs, Robert Hamer se distingue avec la séquence «The Haunted Mirror» et Alberto Cavalcanti excelle avec le film d’horreur «The Ventriloquist’s Dummy». Nous vous proposons ici la version européenne originale non éditée en noir et blanc.

Conférencier invité : À déterminer.

Pour ce film, le plus grand réalisateur japonais s’est inspiré de Shakespeare et a choisi de tourner une adaptation japonaise du Roi Lear. Situé dans le Japon du XVIe siècle, RAN (qui signifie fureur, révolte, folie et chaos en japonais) commence lorsqu’un seigneur de guerre vieillissant, qui a acquis le pouvoir après 50 ans d’effusions de sang impitoyables, annonce son intention de diviser le royaume entre ses trois fils, qui vivront chacun dans l’un des trois châteaux de la région. Les conflits entre frères s’aggravent et les événements culminent dans un finale spectaculaire et tragique.

Le film est une épopée visuellement stupéfiante, contenant certaines des images les plus belles, les plus colorées et les plus époustouflantes jamais enregistrées sur celluloïd. Ici, en particulier dans les scènes de bataille, Kurosawa adopte une caméra détachée et impassible, ce qui accentue la tragédie en donnant au public une perspective divine mais impuissante sur toute la folie et la déraison qui se déroulent à l’écran.

En même temps, il insuffle au film une profonde émotion humaine, aidée par des performances uniformément superbes. Œuvre d’un artiste mûr qui maîtrise parfaitement son art, RAN est un véritable chef-d’œuvre cinématographique où se mêlent la vue, le son, l’intelligence et, surtout, la passion. Visionnez-le en copie d’archive 35 mm dans notre salle de cinéma et vous vivrez une expérience inoubliable !

Le réalisateur Curtis Hanson, sur la base d’un scénario oscarisé qu’il a coécrit avec Brian Helgeland, nous présente un film basé sur le roman néo-noir du même nom, écrit par James Ellroy en 1990. Il s’avère que l’œuvre d’Ellroy constitue un excellent matériau de base cinématographique, comme le montre Hanson dans sa narration intelligente, sinistre et sulfureuse d’une histoire criminelle de Los Angeles, enracinée dans la violence, la corruption et la trahison.

Le titre est tiré d’un magazine à potins des années 1950, Confidential. Dans le film, il s’agit du magazine Hush-Hush, dirigé par le sordide Sid Hudgens (Danny DeVito). Il est notre narrateur d’ouverture qui nous présente le Los Angeles de 1953 et les principaux acteurs de l’histoire. À partir de là, le film se déroule comme un roman policier, mais avec de nombreux éléments cinématographiques qui contribuent à donner vie aux personnages et au décor. Porté par une distribution exceptionnelle, L.A. CONFIDENTIAL suit trois officiers très différents de la police de Los Angeles qui doivent faire face à la violence de la mafia et à la corruption de la police. Le sergent Edmund Exley (Guy Pearce) est un officier ambitieux et respectueux des règles qui tente de se montrer à la hauteur de la réputation de son défunt père au sein de la police. Idéaliste dans l’âme, Exley est déterminé à faire une différence, allant même jusqu’à témoigner contre ses collègues et à obtenir une promotion en conséquence. Inutile de dire que cela ne lui vaut pas beaucoup d’amis dans son commissariat.

L’inspecteur Wendell « Bud » White (Russell Crowe) est un policier en civil qui n’a pas froid aux yeux. Il n’a pas peur de tabasser les hommes qui battent les femmes (parce qu’il a vu sa propre mère battue à mort par son père) et n’hésite pas à utiliser la force contre les criminels. Il déteste également Exley pour avoir témoigné contre son partenaire et l’avoir fait renvoyer de la police. La tension entre les deux est palpable et ne fait que s’intensifier.

Et puis il y a l’inspecteur Jack Vincennes (Kevin Spacey), un officier de la division des stupéfiants qui affectionne les projecteurs d’Hollywood. Lorsqu’il n’est pas conseiller technique pour la série télévisée «Badge of Honor», il reçoit de l’argent de Sid Hudgens qui le renseigne sur les méfaits des célébrités. Vincennes laisse ensuite Sid photographier les arrestations les plus médiatisées pour son magazine. Un véritable racket.

Les trois flics sont finalement réunis par un meurtre multiple dans un café. Nous avons droit à une histoire brutale et sordide. Une histoire qui prend un genre bien connu et lui insuffle une nouvelle vie, nous gardant accrochés à chaque rebondissement et à chaque double jeu.

L’ensemble impeccable, comprenant Kim Basinger, James Cromwell et David Strathairn, l’histoire magistralement écrite, la vision vibrante mais grinçante du Los Angeles des années 1950 – tout s’enchaîne dans ce polar d’époque cynique et indéniablement séduisant, qui conserve son style et son éclat près de 30 ans plus tard. Une copie 35 mm nous a été prêtée par une société cinématographique de Portland, dans le Maine, afin que vous puissiez l’apprécier comme il était censé être projeté.

Ce film réussit à être un film étonnamment puissant, digne d’analyse et d’admiration. Il détourne les conventions cinématographiques, combine les genres avec une folie impitoyable (on pourrait tour à tour le classer comme un documentaire érotique, une comédie noire satirique, un drame sombre et tragique, un film de propagande communiste, et la liste est encore longue) et expérimente avec la célèbre théorie du montage de Sergei Eisenstein jusqu’à un point de folie presque incohérente.

Commençant comme un documentaire historique semi-direct, il se transforme rapidement en une action maniaque et farfelue avant de devenir, vers la fin, un drame poignant. C’est l’avant-garde dans ce qu’elle a de plus… avant-gardiste ! Il y a beaucoup de sens à trouver dans l’absurdité du film ; c’est un film avec des messages, certains bons, d’autres mauvais (selon votre point de vue). Il traite le sujet du sexe avec sagesse et franchise, en mélangeant des éléments d’humour, d’horreur et de tragédie douloureuse dans un mixeur pour drogués et en vomissant le produit final sur l’écran d’une manière qui n’est pas aléatoire, mais impressionnante et époustouflante. Le réalisateur Dusan Makavejev est considéré comme un maître du cinéma expérimental pour une bonne raison.

Pour être clair, il ne s’agit pas d’un film pour les ultra-sensibles et il n’est certainement pas destiné aux non-adultes. Si vous avez le courage de le regarder, il est magnifiquement cathartique ! Proposé ici dans une version non censurée.

Conférencier invité : À déterminer.

Nous vous proposons l’un des plus grands films comiques de tous les temps, avec le personnage le plus emblématique de l’histoire du cinéma. Le génie de Charles Chaplin s’exprime ici dans le rôle du « petit clochard » cherchant à faire fortune pendant l’époque du Klondike, dans le grand Nord-Ouest. Venez profiter de la Ruée vers l’or pour célébrer son 100e anniversaire.

Notre ensemble talentueux comprend des artistes sur place jouant sur des instruments classiques, tandis que les films muets sont projetés sous forme de bobines d’époque. Le tout aura lieu dans une majestueuse église gothique, ce qui ajoutera au cachet de cette soirée inoubliable. Veuillez noter que nos projections antérieures ont été extrêmement populaires, alors mieux vaut arriver tôt! (Les portes ouvriront à 18h.)

Grignotines, mais éclaté et boissons disponibles.

Billets : 27$, 22$ (étudiants & 65+) taxes incl. et au guichet à partir de 18h le 10 mai.

Église St-Georges : 1001 ave. des Canadiens-de-Montréal (métro Peel ou Bonaventure).

Les billets seront disponibles ici à partir de février.

L’histoire commence lorsque la fierté et la joie de Pee-Wee, son vélo rouge brillant, est volé. La police n’étant d’aucune aide, Pee-Wee, fou de rage, consulte une diseuse de bonne aventure frauduleuse qui lui annonce que son vélo se trouve dans les sous-sols de l’Alamo, au Texas. Naturellement, il prend la route.

Pee-Wee Herman n’est pas un garçon comme les autres : « Je suis un solitaire et un rebelle », annonce-t-il à sa future petite amie. C’est plutôt un rebelle sans pause. Folie inspirée, ce film est l’un des plus inventifs des années 1980. Cette œuvre intelligente et totalement originale incorpore une grande variété d’outils cinématographiques avec un sens du style frais et unique. Pee-Wee est un petit garçon magique, joyeux et espiègle qui vit dans un corps d’adulte.

Ce qui permet à ce personnage apparemment débile de fonctionner à un niveau intelligent, c’est l’environnement ‘cartoonesque’ dans lequel il évolue. Tant par sa structure que par son contenu, le film ressemble effectivement à s’y méprendre à une œuvre Looney Tunes. À l’instar de ces dessins animés classiques, ce film s’appuie sur des personnages facilement identifiables, des motivations simples, des gags à l’emporte-pièce et un sens de la logique souvent surréaliste, le tout mélangé avec talent et ingéniosité. Venez profiter de ce merveilleux plaisir visuel en copie 35 mm à l’occasion de son 40e anniversaire. C’est l’heure de Pee-Wee !

L’histoire est essentiellement celle du film de Jean-Luc Godard dont il s’inspire, mais au lieu d’un Français poursuivant une Américaine à Paris, nous avons ici un Américain poursuivant une Française à Los Angeles. Jesse Lujack (Richard Gere), un arnaqueur charmant mais malhonnête, vole une voiture sur le parking d’un casino à Vegas et se rend à L.A. pour rencontrer Monica (Valerie Kaprisky), une étudiante française avec qui il a passé le week-end précédent. Mais en chemin, il tue involontairement un policier de la route. Jesse parviendra-t-il à quitter Los Angeles avec Monica avant que la loi ne le rattrape ?

Vous serez agréablement surpris par ce que le réalisateur Jim McBride a fait en réimaginant le classique « sacré » de la nouvelle vague de Godard. Il serait trompeur de comparer le Breathless de McBride à celui de Godard. Même si ce dernier l’a inspiré, il se suffit à lui-même. Richard Gere est remarquable dans le rôle d’une âme perdue, un petit criminel à l’énergie frénétique qui évite de penser à l’avenir, est obsédé par une femme et commet un crime grave. Nous ne savons rien de lui, si ce n’est qu’il va toujours à toute vitesse, qu’il aime comme un enfant le super-héros de bande dessinée Silver Surfer et le rebelle du rock n’ roll Jerry Lee Lewis.

Sa petite amie est en conflit interne : elle se méfie de ce mauvais garçon classique, mais elle ne peut pas lui résister. (Les scènes d’amour entre Kaprisky et Gere ont fait sensation à l’époque parce qu’elles étaient très osées, mais réalisées néanmoins avec goût). L’angoisse existentielle et le danger sont omniprésents du début à la fin du film. Le film a pour toile de fond une Los Angeles grinçante et très colorée, qui est presque un autre personnage. Les scénaristes et le réalisateur ne nous disent pas, ni même ne nous demandent, pourquoi ces gens font ce qu’ils font, ils nous présentent simplement quelques jours fatidiques dans leurs vies désespérées.

La bande sonore est composée d’artistes tels que The Pretenders, Robert Fripp, Brian Eno, Elvis Presley, Sam Cooke, Jerry Lee Lewis, Philip Glass, Bob Dylan, X, et constitue l’une des forces motrices du film. C’est pour cette raison, entre autres, qu’au cours des 40 années qui se sont écoulées depuis sa sortie, le film a acquis un véritable statut de film culte. Ne manquez pas cette chance rarissime de voir cette version non censurée sur grand écran. Voyez-le maintenant ou ne le voyez jamais !

Conférencier invité : À déterminer.