Winter – Spring – 2024

Un mélodrame intense sur le hasard, le vice et la corruption. Glenn Ford incarne un flic véreux qui prend la loi entre ses mains en tentant de démanteler un syndicat du crime vicieux, et découvre au passage qui a posé la voiture piégée qui a tué sa femme.

Voici l’un des meilleurs films du grand Fritz Lang, un réalisateur qui a excellé dans le genre noir des années 1940 et 1950. Glenn Ford et Gloria Grahame, également des visages connus du genre, offrent des performances remarquables, tandis que la future star Lee Marvin incarne un gangster tout à fait détestable dans un rôle de début de carrière. La photographie en noir et blanc et l’ambiance glauque sont assurées par Charles Lang (sans lien de parenté avec Fritz), nommé 18 fois aux Oscars. The Big Heat est si manifestement un grand film que l’on est tenté de dire qu’il s’agit du dernier chef-d’œuvre du cinéaste. Sa grandeur réside dans le scénario serré et sans fioritures de Sidney Boehm, où aucune scène ni aucune réplique n’est de trop dans une histoire qui se déroule à un rythme effréné, et qui livre sa révision sophistiquée du genre noir avec toute la force d’une balle dans l’estomac.

Conférencier : Pascal Plante est un cinéaste montréalais dont le long-métrage – Nadia, Butterfly – a été retenu en sélection officielle pour la 73e édition du Festival de Cannes en 2020. Diplômé de l’Université Concordia (Montréal) en 2011, Pascal n’a pas tardé à écrire et réaliser de nombreux court-métrages, incluant « Blonde aux yeux bleus » (Meilleur court-métrage canadien, VIFF 2015), « Nonna » (Slamdance 2017) et « Blast Beat » (Slamdance 2019). Son premier long-métrage de fiction – Les faux tatouages – a remporté le Grand prix Focus Québec/Canada au FNC 2017 et a été sélectionné à la Berlinale en 2018. Son dernier film, Les Chambres Rouges, a fait sensation l’été dernier dans de nombreux festivals, dont Fantasia où il a remporté quatre prix, dont ceux du meilleur film et du meilleur scénario. Pascal s’auto-décrit comme un cinéphile devenu cinéaste de fiction aux tendances de documentariste.

L’histoire met en scène Fenix, le petit magicien du cirque Gringo, un spectacle itinérant de piètre qualité au Mexique. Joué par deux des fils de Jodorowsky (Adan vers 8 ans, Axel vers 20 ans), Fenix est l’enfant de la belle trapéziste Concha (Blanca Guerra) et du propriétaire de cirque bouffi et lanceur de couteaux Orgo (Guy Stockwell). Fenix a toujours à ses côtés le nain Aladin (Jesus Juarez), qui lui sert d’assistant et de soutien moral. Le film traite de l’esclavage émotionnel et physique pervers d’un fils par sa mère, un contrôle d’autant plus macabre que l’on apprend, à la fin du film, le secret de sa véritable nature. Il dépeint aussi une haine instinctive entre des personnages représentant la luxure et la chasteté, toutes deux considérées comme des perversions dans un monde sans juste milieu. Ce sujet audacieux est orchestré par Jodorowsky dans un film que les critiques qualifient de jungien, surréaliste, fellinien, bunuelien, sado-masochiste, expressionniste et fortement aromatisé par des classiques de l’horreur tels que “La bête à cinq doigts”, “Les mains d’Orlac” et le film qui guide les fantasmes du héros, “L’homme invisible”.

La qualité que Jodorowsky possède avant tout est la sincérité passionnée. Outre son style créatif sauvage, ses images, ses inventions narratives, il a des sentiments moraux forts. Il éprouve une sympathie instinctive pour Fenix, qui est né dans un monde de fanatisme et de cruauté et qui a essayé, avec l’aide d’une sourde et d’un nain, de retrouver l’âme qui a été déformée par son père et piégée par sa mère. L’une des différences entre les grands films d’horreur et tous les autres est peut-être que les grands films ne célèbrent pas le mal, mais le défient. Nous vous mettons au défi de venir voir ce film en copie 35 mm sur grand écran, parmi une foule dans une salle obscure.

Dans ce film, Antonio, un carabinier de 25 ans, doit escorter deux enfants dans un foyer d’accueil. Mais la tâche simple de ce policier italien se transforme en désastre détourné. Au cours d’un voyage qui les mène du nord au sud, Antonio et ses compagnons préadolescents se heurtent à l’hostilité et à la suspicion universelles. À la fin de cette expérience épuisante, le trio hétéroclite a toutefois formé un lien tacite. Le film du réalisateur italien Gianni Amelio – qui a remporté le Grand prix du jury à Cannes en 1992 – se niche dans le coin le moins sentimental du cœur. Il évite les moments trop larmoyants au profit d’une approche plus réaliste, mais non moins touchante. Antonio est responsable de Luciano, 9 ans, mutique, et de Rosetta, 11 ans, maussade. Pour eux, l’enfance n’est qu’un lointain souvenir car leur mère vient d’être arrêtée à Milan pour avoir forcé Rosetta à se prostituer.

Austère et discret, ce film monte en puissance, les images ensoleillées du directeur de la photographie Renato Tafuri réchauffant la route peu prometteuse qui s’ouvre devant nous. Avec son sens aigu du réalisme, “Il Ladro di Bambini” rappelle intentionnellement les films italiens du néoréalisme des années 40 et 50. Cette période était caractérisée par des films à petit budget avec des histoires dures se déroulant dans la rue, mettant souvent en scène des acteurs amateurs. Le réalisateur Amelio, qui a suivi l’improvisation de ses interprètes pour “scénariser” le film, a créé une œuvre magnifique, d’une grande simplicité et non édulcorée. Venez le voir et laissez-vous émouvoir. (Également lauréat de 18 prix internationaux et de 14 nominations supplémentaires.)

Conférencier : Formé en bibliothéconomie, Élie Castiel étudie la littérature française, la traduction et le cinéma à l’Université Concordia où il obtient une maîtrise en études cinématographiques. Son mémoire porte sur le plan-séquence dans Le voyage des comédiens du cinéaste grec Theo Angelopoulos. Rédacteur en chef du site Kino Culture Montréal, il a tenu le même poste pendant de nombreuses années à la revue Séquences et a également été président de l’AQCC (Association québécoise des critiques de cinéma), organisme membre de la FIPRESCI (Fédération internationale de la presse cinématographique). Il a été membre (et président) du jury dans de nombreux festivals, dont Thessalonique, Festival des films du monde, Festival du nouveau cinéma, Palm Springs, Toronto International Film Festival. Il est critique de cinéma et d’autres arts connexes. Depuis plus de 20 ans, il enseigne sporadiquement le cinéma grec à l’Université de Montréal. En 2020, il siège comme membre du Comité de sélection et agit à titre de Délégué général du Festival du cinéma israélien de Montréal.

Le roi est sourd, vive le roi ! Telle est l’histoire de Frankie Wilde, DJ superstar, dans ce documentaire moqueur, sournois et finalement sympathique, qui répond enfin à la question : “Qu’y a-t-il de si cool à Ibiza ? Peu de choses se prêtent autant à la parodie que la culture DJ mondiale, et l’humoriste britannique Paul Kaye exploite joyeusement ce mouvement moribond et le mode de vie festif qui l’entoure. Parsemé de personnalités DJ réelles – Carl Cox, Paul Van Dyk, Tiësto – le regard pseudo-affectueux du réalisateur Michael Dowse sur l’hédonisme de cette île espagnole ensoleillée, où l’on danse toute la nuit et festoie toute la journée, est une plaisanterie brillamment conçue et réalisée. Kaye joue le rôle de Wilde, le DJ le plus populaire de tous les temps, qui, au beau milieu d’une résidence d’été à Ibiza où il se gave de coke et de sexe, découvre qu’il est en train de perdre son système auditif et, par conséquent, sa raison d’être.

Les possibilités comiques évidentes peuvent être infinies, mais Dowse et Kaye visent bien plus haut que la plupart des mockumentaires musicaux, et malgré le barrage ininterrompu d’humour de drogue, It’s All Gone Pete Tong est au fond un récit de rédemption tout en douceur. Il est presque trop facile de dépeindre l’ensemble comme une métaphore de l’état stagnant de l’électronique de nos jours, mais pourquoi pas ? Dans le rôle de Frankie Wilde, Kaye vit et s’impose, mais tombe en disgrâce lorsque ses oreilles se mettent à bourdonner, ce qui entraîne le départ immédiat de sa femme Sonja (Kate Magowan), qui manque cruellement de profondeur, et suscite l’ire de son gérant Max (Mike Wilmot), qui s’attend à recevoir un nouvel album d’un jour à l’autre. Confronté à la perte de son seul apport sensoriel non négociable, Wilde commence par ignorer le problème, avec les résultats désastreux que l’on peut prévoir pour la piste de danse. Après le déni, bien sûr, vient la colère (il saccage la villa), le marchandage (il se procure un appareil auditif), la dépression (il se réfugie dans la villa avec plein de cadeaux de fête) et, enfin, l’acceptation (il rencontre une tutrice sexy qui lit sur les lèvres et réapprend à vivre.

La surréalité gonzo mise à part, It’s All Gone Pete Tong (le titre est une rime d’argot cockney pour “It’s all gone wrong”) est un coup de gueule intelligent contre tout, de la vie dans les clubs à l’inclination masculine pour Peter Pan. Wilde, le leader des garçons perdus d’Ibiza, est finalement sauvé des blaireaux de la coke, de la perte de l’ouïe et de bien d’autres choses encore par la plus prosaïquement poétique de toutes les lignes de basse : son cœur. De quoi faire couler une larme sur votre platine Technics, mais il y a fort à parier que vous sourirez trop pour vous en rendre compte. Une copie 35 mm avec son Dolby Surround est offerte pour votre plaisir.

Invité : Nous avons le privilège d’avoir le réalisateur lui-même, Michael Dowse, présent en personne pour une introduction et des questions-réponses après la projection. L’un des plus grands réalisateurs canadiens de matériel comique a commencé sa carrière avec le très populaire FUBAR (2002), qui a donné lieu à des suites et à une série télévisée. Parmi les autres titres à son actif figurent TAKE ME HOME TONIGHT, GOON, WHAT IF (avec Daniel Radcliffe), STUBER (avec Dave Bautista), et COFFEE & KAREEM (avec Taraji P. Henson et Ed Helms).

La saga expressionniste et sombre de John Ford sur l’IRA, qui se déroule dans le Dublin de 1922, a été l’un des films les plus honorés de son époque. Lauréat d’innombrables prix, dont l’Oscar et le New York Film Critics Award de la meilleure réalisation, LE MOUCHARD a été salué par la critique comme la preuve d’une nouvelle maturité dans une industrie qui avait été récemment accusée de manque de profondeur et de pornographie.

Pour incarner le lourdaud Gypo Nolan, Ford fait appel à la star d’action Victor McLaglen, dont la performance s’appuie sur la corpulence et la lourdeur de la vedette pour créer l’un des premiers anti-héros authentiques du cinéma sonore. Ancien artiste de vaudeville et de cirque, ainsi que boxeur, ses dialogues improvisés lors de la séquence du procès sont très forts et bien adaptés au désespoir et au suspense du moment. L’Oscar du meilleur acteur décerné à McLaglen cette année-là était bien mérité.

Le brouillard qui recouvre ce Dublin cinématographique est si épais que le film devient un labyrinthe sombre et atmosphérique, représentant parfaitement le flou entourant l’éthique et la politique qui fait de ce film un essai sur l’Irlande d’aujourd’hui.

LE MOUCHARD mérite notre attention car il s’agit de l’une des œuvres les plus emphatiques et émotionnelles de Ford, et révèle le cinéaste américain comme l’un des plus grands et des plus poétiques artistes de la diaspora irlandaise.

Conférencier invité : Peintre et photographe acclamé par la critique, Scott MacLeod s’est penché sur des thèmes sociaux, politiques et historiques dans le but de promouvoir l’éducation et l’accès à l’art et à la culture. Ses peintures et photographies font partie de nombreux musées, ainsi que de collections privées et d’entreprises. Ses dessins de bâtiments importants du quartier Griffintown de Montréal ont été exposés au Centre d’Histoire de Montréal. MacLeod a réalisé son premier film, AFTER THE WAR WITH HANELORE, en 2009.

Ce documentaire de 22 minutes a fait l’objet de plusieurs projections très médiatisées, notamment aux Rendez-vous du cinéma québécois et à l’Arsenal 2 Institut für Film und Videokunst de Berlin. Depuis, il a réalisé trois films de la série de films d’animation The Water of Life, une collaboration en quatre parties sur l’histoire du Canada avec le conteur irlandais Mike Burns. Il présentera son court métrage L’IRLANDAIS.

Un jeune couple originaire de Cape Fear en Caroline du Nord, Sailor et Lula, a fuit le joug de la mère dominatrice de cette dernière. À cause des manigances de la mère, la mafia vient à s’en mêler. Adapté d’un roman de Barry Gifford, le film doit sa tension érotique à l’attitude ”nous-contre-le-reste-du-monde” des deux amoureux en cavale, ainsi qu’à l’évidente chimie entre les deux interprètes, Nicolas Cage et Laura Dern.

Quatre ans après BLUE VELVET, Lynch revisite la thématique de deux innocents tentant de naviguer dans un monde d’inimaginable dépravation. Sans se confiner aux intrigues tissées serrées du film noir moderne, il opte plutôt pour le roadmovie. Les revirements dramatiques imprévisibles de même que les détours inattendus qui pavent la route font de WILD AT HEART une ballade palpitante. Pour arriver à destination, le film met la pédale au plancher et fait crisser les pneus sur la fameuses ”yellow brick road” qu’il tente de parodier.

La trame sonore signée Angelo Badalamenti est particulièrement envoûtante et romantique, tout comme l’ensorcelante ”Wicked Game” de Chris Isaak. N’oublions pas Willem Dafoe dans le rôle du terrifiant ”Bobby Peru”, l’un des nombreux personnages intenses que rencontreront nos deux amoureux dans leur périple. Attachez donc vos ceintures et joignez-vous à nous pour cette folle virée ! Format : 35mm

Situé dans une petite ville allemande des années 1930, cet excellent film est une étude détaillée du masochisme. Le chef de gare, Bolwieser, est un homme faible et très ordinaire qui n’a que peu d’expérience des femmes et qui n’a aucune chance de retenir l’amour et l’intérêt de sa femme sexuellement séduisante. Inévitablement, elle entame une série de liaisons avec d’autres hommes. Le thème principal du film, la gloutonnerie masochiste de Bolwieser pour la punition, revient tout au long du film dans des scènes de dégradation et d’humiliation pour lui. Parfois, ces scènes tournent presque à la parodie. La naïveté et la crédulité de Bolwieser sont soulignées à l’extrême. À un moment donné, il rentre chez lui ivre et s’endort en suçant son pouce comme un petit garçon avec sa femme dans le lit à côté de lui. Il pardonne sans cesse à sa femme, même lorsqu’il finit par connaître la vérité sur ses infidélités. Il est idéaliste et naïf à l’extrême, vivant sa vie protégée d’engagement envers son travail. À la fin, Bolwieser perd tout, mais surtout ses illusions idéalistes et naïves.

L’une des meilleures études de caractère jamais réalisées, la connaissance intime qu’a Fassbinder de la culture d’une petite ville allemande lui a permis de réaliser cette œuvre de façon magistrale, tant sur le plan du contenu que du style. Le réalisateur collabore ici avec le légendaire directeur de la photographie Michael Ballhaus, nommé trois fois aux Oscars, qui a ensuite travaillé avec Martin Scorsese, pour créer des images d’une grande finesse. À l’écran, on retrouve ses habitués, Kurt Raab, et la brillante nouvelle venue Elisabeth Trissenaar. L’apparition de l`icône Udo Kier dans le rôle du séduisant coiffeur est un vrai régal.

Nous proposons ici une copie 16 mm extrêmement rare de la version cinéma approuvée par le réalisateur, en version originale allemande et sous-titrée en anglais.

Conférencier: Rédacteur-traducteur spécialisé en cinéma et œuvrant dans l’ombre depuis un quart de siècle, Jean Lavernec vous présentera ce film de Rainer Werner Fassbinder, le 28e long métrage de sa riche filmographie qui en compte plus de 40 en… 14 ans!

Nous sommes en 2122, à bord du Nostromo. À première vue, on se croirait dans La Guerre des Étoiles. Cependant, on se rend vite compte que ce ne sera pas du tout le même genre d’aventure spatiale. Alors que George Lucas nous avait fait vivre une merveilleuse aventure deux ans auparavant, nous nous retrouvons à présent dans un monde beaucoup plus proche de la réalité. Le vaisseau en question est une raffinerie industrielle qui transporte des mercenaires, des scientifiques et des ingénieurs qui ne pensent qu’à retourner à la maison.

Sorti il y a 45 ans, suite à son premier film lauréat d’un prix à Cannes, Les Duellistes, Ridley Scott (Blade Runner, Seul sur Mars) refuse plusieurs projets pour pouvoir mettre en scène ce scénario tendu et claustrophobe signé Dan O’Bannon (Métal Hurlant, Voyage au Centre de la Mémoire). L’histoire est simple : l’équipage d’un vaisseau reçoit un signal de détresse provenant de la planète LV-426. En allant investiguer, ils rapportent malgré eux de la vie extraterrestre à bord et ils se retrouvent enfermés avec une créature meurtrière. Ce qui distingue L’Étranger : Le Huitième Passager des autres films du genre est la mise en scène sombre de Scott, la performance emblématique de Sigourney Weaver, la trame sonore lugubre de Jerry Goldsmith et le Xénomorphe, une créature visqueuse et violente, conçue par H.R. Giger.

Surnommé « Les Dents de la Mer dans l’espace » et « Le Massacre à la Scie de la science-fiction », l’expérience de visionner ce film est encore plus intense qu’on pourrait le croire, une progression parfaitement terrifiante du calme de la scène d’ouverture, à la tension captivante des dernières scènes. Venez célébrez le 45e anniversaire de ce classique, en visionnant une copie 35mm du « Montage du réalisateur » du film au cinéma De Sève, où tout le monde vous entendra crier!

C’est Noël 1940, et John Cabal, habitant d’Everytown, craint que la guerre ne soit imminente. Lorsqu’elle éclate, la guerre dure 30 ans, détruisant la ville et ouvrant la voie à une nouvelle ère sombre de pestes et de petits despotes. Mais l’espoir renaît sous la forme de Wings Over the World, un groupe de scientifiques et de penseurs pacifistes dirigé par Cabal. Leur rêve est de construire une société utopique sur les ruines de l’ancienne. Mais ils devront d’abord renverser le dernier tyran en place.

Sorti en 1936, Things to Come, adapté par H.G. Wells de son propre roman de science-fiction de 1933 The Shape of Things to Come, était la production la plus ambitieuse de la London Films de Korda à ce jour, et a cimenté sa réputation de produire des drames intelligents à une échelle épique.

Il s’agissait d’un projet ambitieux avec un vaste champ d’action – couvrant un siècle d’histoire future – et une échelle à la hauteur : des décors énormes, en particulier dans les séquences se déroulant en 2036, des milliers de figurants, et une conception et un montage imaginatifs. Plusieurs performances sont également impressionnantes, notamment celle de Raymond Massey dans le rôle du messianique Cabal et celle de Ralph Richardson dans celui du tyran brutal “Boss”, un rôle qu’il a explicitement modelé sur celui de Mussolini.

Things to Come offre une vision de l’avenir très différente du classique Metropolis de Fritz Lang (1926), auquel il a été inévitablement comparé ; Wells a critiqué de manière cinglante le film de Lang, qui offrait un portrait d’un monde asservi par la science. À l’inverse, Wells voyait dans la science la promesse du salut de l’humanité.

La conception du film a constitué l’un des plus grands défis, en particulier la représentation du fabuleux Everytown du futur. Wells a approché l’artiste Fernand Léger, l’architecte Le Corbusier et la légende du Bauhaus László Moholy-Nagy. L’un des éléments les plus impressionnants du film est constitué par les décors miniatures méticuleusement fabriqués. C’est ce qui nous a incités à faire appel à une conférencière au talent fascinant et hautement spécialisé.

Conférencière invitée : Marina Totino est une artiste multidisciplinaire qui crée des mondes miniatures captivants qui brouillent les frontières entre les rêves et la réalité. Avec une touche ludique, son travail vous invite à explorer des dioramas surréalistes et des espaces miniatures complexes qui vous emmènent dans un voyage fantaisiste à travers des créations originales appelées “Marina Minis”. Elle a commencé son parcours cinématographique au collège, puis à l’école de cinéma Mel Hoppenheim de l’Université Concordia. Tombée amoureuse de la narration, elle a mis ses talents au service de l’industrie du cinéma pendant sept ans, contribuant à des longs métrages, des émissions de télévision et des publicités. La présentation qu’elle fera à l’occasion de cet événement comprendra une exposition de quelques-unes de ses brillantes miniatures.

Dans ce film d’aventure inspiré des Mille et Une Nuits, un voleur affronte monstres, guerriers et magie pour l’amour de l’or… et d’une belle princesse !

L’une des plus grandes stars de l’époque du muet et co-fondateur de United Artists Studios, Douglas Fairbanks était taillé sur mesure pour les rôles très physiques qu’il incarne avec agilité et grâce dans des films d’aventure tels que Robin Hood, Zorro ou The Black Pirate. Dans Le Voleur de Bagdad, ses prouesses acrobatiques semblent surhumaines, alors qu’il saute, grimpe, vole, et cabriole de scènes en scène dans une production à grand déploiement digne de l’âge d’or de Hollywood.

Les décors grandioses, les costumes et les effets spéciaux n’ont pas pris une ride et raviront les cinéphiles grands et petits. La direction photo remarquable est signée Arthur Edeson à qui l’ont doit Frankenstein(1931), The Maltese Falcon(1941) et Casablanca(1942).

Ce film influent, qui a marqué Spielberg, Gilliam, Burton et Lucas, sera présenté en « vrai » film sur grand écran avec un accompagnement de musiciens live. Comme salle : une belle église gothique qui sera le parfait décor pour ce conte magique. Avant l’attraction principale, vous verrez dessins animés du début des années 1920, accompagnées au piano. Grignotines et boissons disponibles.

Billets : 27$, 22$ (étudiants & 65+) taxes incl. Disponible ici à partir du 5 avril et au guichet à partir de 18h le 18 mai.

Église St-Georges 1001 ave. des Canadiens-de-Mtl. (métro Lucien-l’Allier ou Bonaventure) Portes ouvrent à 18h.

Se déroulant le jour le plus chaud de l’été, le film examine diverses questions personnelles, sociales et économiques à travers les yeux d’un ensemble de personnages du quartier de Bedford-Stuyvesant à Brooklyn.

Passant sans effort de la comédie au commentaire social sérieux, suscitant d’excellentes performances de la part d’une distribution nombreuse et parfaitement sélectionnée, et faisant un usage superbe de la musique à la fois pour créer une ambiance et commenter l’action, Lee réussit à voir les deux côtés de chaque conflit sans tomber dans un sentimentalisme simpliste. L’une des grandes réussites de Lee dans ce film est qu’il est capable de présenter chaque personnage, indépendamment de sa race, de son sexe ou de son âge, avec trois dimensions et un certain degré de sympathie. Personne n’est diabolisé ou lionné. Aucun individu n’est blâmé ou exonéré pour les événements qui se produisent. Chaque individu ayant un temps de présence significatif à l’écran est doté de qualités et de défauts, et nous comprenons ce qui le motive, même si nous ne sommes pas d’accord avec lui.

Grâce à l’impressionnante cinématographie d’Ernest Dickerson, peut-être le premier à éclairer correctement la peau noire sur un film cinématographique, les images somptueuses dégagent de la chaleur dans tous les sens du terme. Vivez l’expérience comme le public l’a fait en 1989, sur un magnifique 35 mm, de la manière dont il est censé être regardé.

Dans l’une des ouvertures les plus intrigantes du cinéma de science-fiction, une petite fille, errant dans le désert en état de choc, est repérée par deux agents de la police de la route du Nouveau-Mexique qui la mettent à l’abri. À proximité, ils découvrent une caravane partiellement démolie par une force inconnue et, à l’intérieur, les traces d’une lutte sanglante. Plus tard, alors que l’un des policiers rassemble des preuves sur un autre site de destruction (un magasin de campagne saccagé), il entend un son étrange et aigu qui se rapproche de plus en plus, jusqu’à ce qu’il soit confronté à l’horrible source — la dernière chose qu’il ne verra jamais.

Une distribution solide (James Whitmore, James Arness et Edmund Gwenn), une réalisation tendue de Gordon Douglas, un scénario intelligent et captivant et des effets visuels nommés aux Oscars font de ce film un véritable classique. Bien plus intelligent que ne le laisse supposer l’affiche gargantuesque originale, il a été le film de Warner Brothers qui a rapporté le plus d’argent en 1954 et a inspiré d’innombrables imitations. Il a également inspiré le film ALIEN de 1979.

Sorti à l’époque où les États-Unis renforçaient leur armée dans le cadre de la “peur rouge”, THEM ! est une mise en garde contre les dangers de la bombe atomique et une vision effrayante de la nature déchaînée. Qui n’aime pas les films de fourmis géantes ? Précédé d’un chapitre de série Sci-Fi, d’un dessin animé Looney Tunes et de bandes-annonces, tous datant du milieu des années 1950. Vous ne pouvez pas obtenir cela chez vous, assis sur le “canapé Netflix” !